SIGLO XIX

Después de reflexionar por un tiempo prolongado, solicitar asesoría, alejarme del ruido de la ciudad y meditar en la soledad del paraje más alejado de la civilización (el cerro del muerto), he decidido no sólo compartir con usted mis hallazgos cinematográficos; consciente de que el paso del tiempo se festonea en la piel de la novedad como el lobo sobre el cuerpo de un niño y que lo que antes bastaba (cazar una mosca) para alimentar el ocio emerge ahora en la omnisciencia del mass media (Obama cazando una mosca por ejemplo), hoy revisaremos material nacido de las mismas entrañas de la red —Don Moronga desvía la mirada por la ventana, piensa entonces en la hueva que le ha dado piratearse películas en últimas fechas, piensa en Obama también—.

—En sus pensamientos, Obama recuerda a Don Moronga que se encuentra redactando una reseñita y que su tiempo a solas no puede ser ahora, vuelve entonces el anfitrión, con un dejo de tristeza—No decimos nada nuevo—dice carraspeando la garganta y recapitulando sus pasos por el tema—, cuando consideramos que la animación Flash ha solventado necesidades creativas, algo complicadas de desahogar de otra forma. Lejano a mirar el tube del Dios Eolo o el del conejito contra la serpiente, existen en este formato ya varios trabajos que requieren, por decirlo así, una lectura más atenta. Tal es el caso de Salad Fingers.

Creado por David Firth y alojado en su propia página web, Fat-Pie, podemos decir que el señor de largos y verdes dedos, no alcanza ni por asomo el lugar de la animación más violenta o desequilibrada disponible en estos parajes; no lo necesita en todo caso, para ofrecer al público que acceda a prestarle un poco de atención, una experiencia audio-visual en donde la curiosidad, el morbo y una incomodidad en el abdomen encuentren un punto de equilibrio muy interesante.

Ya, hablar de la historia que se desenvuelve através de los ocho cortes disponibles, nos mete en problemas. Un ojo agudo adivinará un impulso surrealista desenvolviéndose en la trama de la serie, desviando todas las posibles interpretaciones basadas en los pocos informantes (el evidente desequilibrio mental del personaje, la reiterada mención de una “gran guerra”) que la narración emplea, como interpretaciones propias; tal es el caso de la lectura en la ficha de wikipedia: un personaje psicótico en un escenario post-apocalíptico.

Sin desanimar esa muy probable lectura, la historia no se resume a eso, la posibilidad de seguir los vericuetos de Salad Fingers sin tanta aprehensividad interpretativa nos permite acceder a la forma en la que Firth resume su trabajo: hacer cosas para verse, escucharse y a veces, olerse. La historia se desvía, nunca obtiene una resolución clara y así puede entenderse como una simple viñeta: la mayor prominencia del personaje se encuentra en el refinamiento de su lenguaje y su sensibilidad táctica; el vago desconcierto -muy similar a los viejos videos de Tool, por ejemplo- que otros posibles personajes generan en el espectador y la psique del mismo protagonista, representan la verdadera veta através del cual es posible una primera lectura.

(Primer capítulo)

7

Con la primera sesión vacacional del año, la mayor parte del personal adscrito a Phobos había abandonado la base con esta incómoda sensación en el vientre que el lugar va dejando en el estómago conforme pasan los días, mirar por entre las pocas ventanas de las instalaciones para admirar un paraje plano, gris, aparentemente aplastado por un eterno negro agujerado de vez en cuando por alguna lejanísima estrella.

En cierto momento del lento desplazarse, del lento andar de la gran papa quemada —apodo cariñoso, puesto por los primeros colonos que batallaron arreglando terminales fundidas y soldando paneles solares fuera de su sitio— la vista se volvía un tanto más interesante. A veces desde alguna de esas pequeñas ventanas era posible ver Marte, tan cerca que daba la impresión de que sólo sacar la mano podía tocarse.

Pettersen habían escuchado de vez en cuando —por lo regular personal administrativo o científico, por lo regular mujeres— denominando a estos días, en que la cicatriz era tan visible, cómo los días rojos. Días rojos, había pensado Pettersen al escuchar a la muchachita de cabello platinado, días rojos, había repetido sin que algo en particular, alguna imagen o algún recuerdo concreto le viniera a la cabeza.

El término le había gustado tanto que su compañera de litera, Sandy pimienta, le había escuchado decirlo confusamente, entre sueños, revolviéndose en la cama mientras el hombre debajo trataba de leer un poco de poesía en su i. La primera vez que lo escuchó decirlo pensó que le había hablado. ‘¿Dices algo?’ Había dicho haciendo a un lado la tableta de fibra de vidrio y picando ligeramente el colchón. Y nada.

Sandy se acostumbró después de algunas semanas al inquieto sueño de Pettersen. No era, de cualquier manera, un soñador muy original. Se resumía siempre a lo ya dicho, revolverse entre las sábanas marrones, a veces extender alguna de sus manos hacia arriba, como si estuviera recibiendo algo o como si intentara alcanzar algo,  para finalmente dejar caer el brazo de lado, dejándolo colgando y repetir con voz confusa, con voz un tanto exasperante: días rojos. (Clic en el mapa para continuar con la larga evisión)

Fastidiosa presentación (sin canapés)

Del 2006 a la fecha se celebra anualmente en Estados Unidos el After Dark Horrorfest. Su principal propuesta es proyectar durante una semana películas de horror que debido a su contenido no alcanzaron una clasificación. Tras el festival la productora After Dark -tan llena de bondad, ella-, lanza las películas del festival en una colección denominada 8 films to die for, que actualmente promociona aún su entrega del 2008 (favor de no sospechar que el rollo es un ardid publicitario para introducir un producto en el mercado bajo el auspicio de santa indie y san censurado).

   Tras una revisión exhaustiva del material de los tres años, Don Moronga tiene sentimientos encontrados acerca de la colección de cintas en su conjunto. Si nos vamos por el alto contenido gráfico nos moriremos de la risa, cositas espléndidas como Guinea Pig hacen ver a estas cintas tan inclasificables como una parrillada organizada por franciscanos. Luego Don Moronga se pone receloso y termina haciéndose preguntas como ¿podemos hablar de cine independiente si su rasgo fundamental de atracción recae, principalmente, en eso?

Un par de sapes después Don Moronga renuncia a roer el hueso por ese lado. Hay que decir que desde el 2006 la colección ha recogido cintas de fotografía intensa y memorable estética (The Abandoned, Crazy Eights, Teeth & Bone, Autopsy), churros simpáticos (The Gravedancers, The Hamiltons, Borderland), cintas internacionales 'invitadas' (Rinne, Voices, Frotier(s)) y un surtido muy heterogéneo, que va desde el slasher más básico (Dark Ride, Slaughter) hasta el indefinible 'thriller psicológico-paranormal' (The Broken, The Unrest) y algunas cosas que en definitiva deben tratarse aparte, tales son los abordados esta noche.

    Muy lejos de la perseguida innovación del género, Perkins'14 y Mulberry Street, dibujan, en todo caso, un feliz dominio del cinito de monstruo piñata, llevándolo a un feliz estado de apreciación en donde muchos de los encuadres funcionan como postales en standalone, que invitan a ser capturados y regalados a algún amiguito. Respecto al argumento, ambos parecen compartir una metodología constituyente en bombardear la historia de arquetipos de subgénero hasta lograr arrancarla por derroteros alejados a los denominadores comunes. Tal objetivo se logra, eso sí, fugazmente.

Servida la mesa, Don Moronga se inclina chorreando de sangre el níveo mantel.

MULBERRY STREET 

(Ficha no técnica)  

Dirige: Jim Micle

País: Los IU, ES

Año: 2006

Ratas bajo una luz verde, ratas sobre una tubería, ratas dentro de una tubería, acercándose, llenando el túnel/ El tópico de la epidemia y su sombra – y el aislamiento ya no visto como una consecuencia de una catástrofe sino como un estado natural en los individuos, que naufragaban ya, antes de que todo se fuese al carájo- es abordado de modo inteligente, muy mesurado, en éste crossover de zombies romerianos y los ridículos monstruos que podrían haber destruído una urbe primer mundista por allá de los sesenta. 

En frío, el argumento resulta risible, lo aplaudible de la pluma que le gestó radica en la gran habilidad que esgrima por no disculparse; a media hora de la película, el espectador se encontrará un tanto inquietante, ¿dónde están los monstruos, dónde están los muertos? Podrá preguntarse, y con algo de paciencia, no se decepcionará, los hay, pero están tan bien tejidos que es necesaria una vista de miope para encontrarlos. A una hora de la película parecerán haber quedado al descubierto.

A diferencia de películas que abordan una situación hipotética similar, el horrendo cataclismo en el que la calle homónima al título termina sumergida, no se desenvuelve en primer plano, en un primer instante, la cámara se enfocará precisamente en tal detalle. Los habitantes de la calle Mulberry -dos ancianos moribundos, un pocho retirado del boxeo, su amigo homosexual, su hija de vuelta de la guerra, su vecina-mesera-madre soltera y un muchachín inadaptado e hijo de esta última- pasarán de largo, una y otra vez, ante eventos de grandilocuencia tal como: una extraña llamada de emergencia provocada por el sorpresivo ataque de ratas muy agresivas llamó la atención de las autoridades, se investiga...” en sus televisores. Lo peor de todo, es que el espectador sabrá disculparlos. Tienen, de hecho, demasiadas cosas en la cabeza.

PERKINS'14

(Ficha no técnica)

Dirige: Craig Singer

País: Gringoland

Año: 2009

Como camino al Hotel Overlook, la carretera perezosa se desliza por abajo en una suave curva, se vuela entre montañas y pinos y uno puede preguntarse si no se ha vuelto un wendigo, la radio mientras tanto, te habla de la soñolienta población vacacional de Stone Cove, azotada por un secuestrador de menores, el rostro de un niño emana sus ojos endebles en la oscuridad, encerrado tras el metal de una jaula y dentro del grano de una cinta de video/ Viene siempre la pregunta, en estos tiempos, acerca de qué cosas pueden generarse después de que el «imagio» occidental se ha rendido a la importación de sombras. Parecería que para las pesadillas se tiene ya suficiente banda sonora y tomas reglamentarias de pasillos alargados, cuchillos y monstruos pequeños y grandes. 

Una primer respuesta, gracias a dios no mesiánica, es adoptar la política del dj; lo que en esta pieza se prueba, es posible a nivel argumental y semiótico. No hay respuesta, nos dice, tomas esos elementos construídos, sobre los que las pesadillas nos llevan planeando y los mezclas y los mezclas, hasta que quizá logras encontrar una latitud en altamar, sobre la cual haya pocas cartas. Llegar a terrenos inexplorados, aunque no lo sean, se traduce en procesar y reprocesar conceptos típicos hasta encontrarles la otra mejilla.

El resultado es una historia en la que estos elementos, lejos de atenuarse ante la sobrepoblación, comienzan a darse de madrazos a un nivel simbólico y también en uno muy tangible: Stone Cove, el ya tan típico pueblito aquí-no-pasa-nada, es azotado por un secuestrador de niños. Lejos de Nerón, su crímen es estadísticamente nimio: catorce niños nada más. Surge entonces la figura del padre y se le da uniforme de policía también y se le exigen remordimientos por perder a su único hijo y finalmente se le lanza a la pantalla como un dead man walking, a despertar y revivir las ausencias, una y otra vez.

Es este el primer arquetipo siempre y lo es también aquí, el héroe. A él se unen su hija y su esposa, ambas ajenas a su ya aburrido dolor de padre huérfano: se disputa el cuarto del niño porque la mujer quiere un estudio y de pasada le recuerda que hoy es día de su club de lectura: él le recuerda que es el aniversario del secuestro de su hijo. La hija desaparece en éste rápido doméstico. Para sanar las penas el hombre hace guardia aunque no resulte su horario y para continuar la esgrima de estereotipos, hay un hombre que sonríe y le pide le libere en los separos de la comisaría. Es él, claro, es el secuestrador y ahora nuestro héroe tendrá que probarlo antes de que sus influencias lo liberen de nuevo. 

Envía a un compañero al domicilio del extraño para ello, le convence de que debe ser él, le falta un pulgar y es el mismo que su hijo le mordió cuando se lo llevó justo por el jardín de su casa. Tiene qué atrapar al maldito cabrón y tiene qué saber qué pasó con su hijo, bebe y piensa, piensa y bebe. Le libera, le interroga, le descubre. El secuestrador ríe: no se lo hice a él, se lo hice a todos ustedes. Diez años enjaulado con porquerías inyectadas en las venas, traumatizado, programado para ser un asesino, él el catorceavo, su hijo.

Mientras tanto, su hija es seducida por el estereotipo de adolescente cachondo y mano larga en los parajes de un minigolf y su esposa... es seducida por el estereotipo de adolescente cachondo y mano larga en los parajes de un motel. Su amigo encuentra el calabozo y es masacrado por catorce asesinos amaestrados. ¿Podrá nuestro héroe limarse los cuernos de la cabeza, proteger la honra de su chamaca emo, rescatar Stone Cove, recuperar la mente de su chamaco serial killer? Si lo logra o no, será a fin de cuentas, lo de menos.

Imagino que debí morir contagiado poco antes de despertar en la habitación de Horacio. Respecto a dicho contagio, poco sé más allá de su efecto evidente, ni sus causas, ni sus consecuencias a gran escala, ni si existe alguna clase de cura. De hecho no es mi estado actual el que me ha impulsado a comenzar esta torpe narración, sino una cuestión que intuyo el origen de mi, peculiar, estado consciente.

La casa de Horacio se encuentra al despoblado de un sistema montañoso. Un dónde más preciso se me antoja omitible debido a las circunstancias que puedan envolver el hallazgo de este manuscrito, se me perdone también una aclaración tan minuciosa como inútil en tanto está claro que quien escribe ahora, tiene problemas incluso para sostener el horroroso plumón rojo con el que redacta (es mucho más fácil seguirle la pista en la hoja).

Todo se remonta a un par de meses o quizá tres. Por aquellos, no tan lejanos tiempos, me encontraba a la búsqueda de una metodología suicida cuando una vieja amistad confinada a mis tiempos universitarios me contactó por teléfono. Se me invitó a esta casa con motivo de un viejo chiste con la que pasábamos nuestros tiempos de ocio algunos amigos y yo: el protocolo Asterión. Tengo la jaula, me dijo Horacio.

Pensé en redactar una reseña desde el momento mismo en el que pagué los boletos, hace algunos meses. Compré dos entradas para General B, uno para mí y otro para mi esposa. Mantuve la idea firme justo hasta unas horas después de que abandoné el foro sol, empapado de sudor y otras excreciones corporales mucho menos gratas ni mías. No puedo redactar una reseña de este concierto. Me resulta, absolutamente imposible.

Jamás he escrito sobre Metallica. Al menos, jamás lo he hecho con la intención de verlo publicado. Lo dicho me hace sentirme extrañamente ingrato, sobre todo al advertir que quizá no vuelva a hacerlo. Entonces me encuentro en este problema tan común -al menos para mí-, de verme invadido por un océano hipotético de cosas qué decir, ante todo lo acumulado a lo largo de mi vida.

Así pues, he decidido no redactar una reseña. Me niego a calzar diez años en una reseñita rellena de frases de cajón que quieran establecer una descripción cordial y breve de la experiencia audiovisual de la noche. Busque reseñas en otra parte, debe haberlas y buenas, acerca de las tres fechas en las que el df fue Death Magnetized.

Continuar leyendo, diría Hetfield, it's up to you, Mécsico. Clic en el par de turistas fantoches para leer el cuento efímero.

Cuando uno se topa con textos narrativos o semi narrativos (es cuestión de porcentajes de “narratividad”), busca por lo general cierto orden, cierta lógica que facilite el trayecto lector. De cualquier manera este tipo de textos siempre tienen una guía, o varias. El problema es que exista coherencia entre los elementos que ayudan a lector a interpretar el narratio; a su vez, el lector debe ser cooperativo y cuente con una enciclopedia para su interpretación.

     Estas cuestiones han sido estudiadas con profundidad por Umberto Eco en Opera Aperta (1962), La estructura ausente (1968), Lector in fabula (1979), y Los límites de la interpretación (1990). En todas estas obras Eco expone conceptos nacidos en el estructuralismo lingüístico para analizar objetos de creación humana (literarios, arquitectónicos, mediales, plásticos, etc.) desde la capacidad que los mismos tienen para ser interpretados. Eco busca recolectar las migajas que el autor deja en sus textos para llegar al centro literario (topic).

     Una mirada de este tipo resulta útil y obligada para la crítica de textos que, como Alicia (Luis Cortés, 2006), exploran la estructura jugando con el objeto del libro, brincan con aparente anarquismo en las voces narrativas y reelaboran mundos ya imaginados. Es útil porque nos ayuda a desentrañar trampas y logros del autor en su intención creativa; y es obligada porque nos conduce por un camino crítico ad hoc a la obra analizada. (Clic en la Reina de Tréboles para continuar con la crítica)

Balsa hacia los rápidos, tres abordo. Watch out girls y here we go como mántras. Una niña y un hombre observan desde un peñasco. Instante confuso, giros completos, risas y caos; no hay tragedia. La balsa alcanza un tramo tranquilo, frente a los testigos. Mommy! Grita la niña y saluda. Remanso, poco después La balsa encalla en una orilla, cerca de su único público. Entenderemos que el hombre y la niña son la familia de Sarah casi al mismo tiempo que sospecharemos que el esposo está más interesada por Juno, una de sus amigas.

Carro por un camino sinuoso, tres abordo. Sarah se encuentra emocionada por el cumpleaños de su hija, charla y ríe junto con ella. El hombre al volante lleva la vista perdida en el camino. ¿Something's Wrong? Pregunta Sarah a su esposo. Su esposo aseguro que no hay nada malo desviando la vista hacia ella mientras una camioneta transportando largas varillas avanza directamente hacia ellos. Impacto, las varillas saltan y atraviesan el cristal y el asiento delantero, la varilla escurre sangre.

Mujer hacia la luz, nadie abordo. Una luz roja y tierna atraviesa la penumbra vertiginosa, la luz proviene de velas posando sobre un pastel de cumpleaños. Una niña con el rostro iluminado de rojo. Sarah despierta en el hospital. Arrancándose la intravenosa, el electrocardiograma marca línea plana al desconectar, Sarah encuentra un pasillo desierto fuera de su cuarto. La luz en el fondo le abandona y avanza como un depredador hacia ella,Sarah corre siguiendo el tramo de pasillo que aún está iluminado pero pronto la oscuridad le rebasa, pronto la oscuridad le contiene. La luz vuelve. El pasillo lleno de gente. Sarah ha chocado con una de sus amigas. Su familia está muerta.

La niña sopla las velas.

Hablando de ambigüedad en el lenguaje, El descenso forma parte de esas increíbles excepciones en las que es posible entender representado el largo camino del duelo, a través de un argumento sostenido a partir de circunstancias sin ramificaciones argumentales, simples, lineales y continuas, para dibujar una suerte de paseo por el Hades, en los que el universo psicológico del personaje se entremezcla con un microuniverso de relaciones entre los personajes.

O bien, puede también verse como la profunda historia de seis citadinas aburridas y estúpidas que gustan de arriesgar la vida con deportes extremos y que finalmente la encuentran, al entrar en una caverna inexplorada que resulta estar poblada por seres que podríamos definir como nosferatus neandertales antropófagos ciegos, contra los que finalmente perderán la vida no sin antes convertirse en una agresiva caricatura bañada en sangre.

En cierta forma, ambas lecturas se complementan y resultan una inversión redituable para el espectador. Parte del encanto de introducir un monstruo en la historia tiene mucho que ver con el peso que se le confiere. Una postura clásica nos dicta que las películas y las historias de monstruos tratan acerca de los monstruos, las cosas monstruosas que hacen a sus víctimas, la forma monstruosa en la que son destruidos y la mayor de las veces, la monstruosa forma en que mueren.

Una postura actual, acostumbrada a la presencia de un nutrido panteón de abominaciones, nos dicta, tal como lo describe y lo maneja Tarantino en el guión de From Dusk Till Dawn, un igualmente nutrido panteón de estrategias narrativas en las que el monstruo se descentraliza de su posición como objeto de escándalo y asume sin reclamos papeles más interesantes dentro del argumento. En la película citada al respecto, el espectador recordará la irrupción casi arbitraria de los vampiros en el Titty Twister, nadie les llamó y ellos en realidad no buscaban a los protagonistas hasta que estos inician un pleito de cantina. Para Tarantino, esta modalidad, que explica citando a King, requiere un bosquejo sutil, pero muy acuciosa de los personajes humanos de la historia. El objetivo es lograr que para el momento en el que el monstruo irrumpa (sin responder tantas respuestas como Lugosi lo hacía) al espectador, los tipos le caigan tan bien que simplemente esté deseando que no les suceda nada.

De la misma forma, en El Descenso, la irrupción a esta colmena de agresivos cavemens es por entero gratuita, no existe ningún sentido implícito o montado sobre su existencia. Tan es así que en el argumento fácilmente podríamos entender a los personajes humanos como los verdaderos extraños en el hostil entorno. Ellos los monstruos y también, los sacrificados.

El final, siguiendo los rieles simbólicos de duelo establecidos desde un comienzo, no tiene desperdicio, pero en gran manera es mucho más recomendable abstenerse de ver el forzadísimo susto con el que termina la versión americana y aferrarse al desgarrador remanso que se nos ofrece como en la versión europea. Congruente y anterior a la última vez que los finales tristes se pusieron de moda.

Hace una media hora me disponía a terminar cierto cuento de Ambrose Bierce, El desconocido, recién llegado del trabajo, para luego poner manos a la obra en la página. Mi lectura fue interrumpida por un apagón de luz (¿No lights?, ¿no music? Dicen los System Of a Down en una de sus rolas, Sugar). Me quedé un minuto divagando, preguntándome a dónde habían ido todas las letras de mi libro. Esperaba (lo confieso) que la luz volviera de inmediato.

No volvió. Mi esposa me llamó de abajo, buscamos velas y asomamos la cara por la ventana, como  monos asustados, tratando de mediar el tamaño del percance (en estos tiempos, nena, todo es un percance). Lo siguiente que supe de mí fue que subía al carro a medir el tamaño del apagón (seguir de paranoico, clic en la imagen).

De cielos, putas y toros (o el síndrome de la gran, gran, gran novela latinoaméricana)

Mala memoria: Chómpiras o Chespirito, en alguno de los capítulos que engalanan su larguísima lista de capítulos presenta a un enfermo mental fugado del sanatorio cuya gracia es creerse extraterrestre en misión, a la caza de despreciables y minúsculos venusinos, que para el caso, son mosquitos. El método para deshacerse de ellos es atraparlos, inmovilizarlos y hacerlos tragar una pastillita brillante, provocando su muerte por envenenamiento tras algunas horas. En algún momento algún personaje (la Chimoltrufia, quizá) elimina un venusino con el viejo estilo terrestre, esto es, atrapando al asqueroso insecto en un aplauso. El cazador, asombrado por la efectiva táctica, promete practicar. Matar venusinos resulta a fin de cuentas muy similar a escribir una gran novela latinoaméricana. Un narrador, exitoso o no, a cierta edad, tras cierto progreso en sus venturas literarias, comienza a idear el plan maestro para escribir la novela definitiva. Aquí un intento de esbozar los síntomas del síndrome. (seguir leyendo, clic en portada)

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La música de Erich Zann

Supongo que habrá entre nuestros ávidos lectores, quién espere nuevos reportes de la caza del Zombie del Altiplano y también quién se encuentre al tanto y algo divertido por las consecuencias de dichas correrías. Hasta este momento y tras la publicación del post anterior he decidido permanecer en silencio y esperar hasta que las cosas adquieran la suficiente lejanía como para poder increpar en tono cínico, digo, objetivo, al respecto de ellas.

De cualquier forma no sobra aclarar que nuestros objetivos no acarician volvernos un Tribuna libre literario en el que cada semana  se publique la foto de algún muerto para beneplácito y escándalo de las buenas consciencias y que, en forma personal, me siento obligado a confesar que la mayor parte de mis actos provienen de lo dictado por un muppet -similar a la rana René pero de color azul- que me habla "con f" desde la ventana de este estudio. Ignoro si se adscribe en alguna cosmogonía maniqueísta, también.

¿Habrá más crítica literaria?, puede apostarlo, pero llegará como ha llegado la primera, bajo la pulsión de teorizar y abrir un canal de diálogo sobre una obra determinada, misma que debe leerse y sopesarse con sumo cuidado. Eso lleva algo de tiempo.  Comparto con usted, más abajo, el borrador del primer cuento que he escrito para mi proyecto Crónicas de Siempre llueve y que realizo bajo el apoyo de una beca de Jóvenes Creadores a la que concursé a finales del año pasado. Los cuentos siguen un poco lo dicho en el blog que lleva el mismo nombre y que puede encontrar dando clic aquí.

Además comparto con ustedes un cuentito de Ray Bradbury, intitulado El fin del comienzo.

Silla.

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Causa de devolución: Domicilio no encontrado

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El fin del comienzo

Detuvo en medio del jardín la cortadora de césped, pues sintió en ese momento que se había puesto el sol y ya aparecían estrellas. El césped recién cortado que le había llovido sobre la cara y el cuerpo, moría dulcemente. Sí, allí estaban las estrellas, pálidas al principio, pero encendiéndose en el cielo claro y desierto. Oyó que la puerta de alambre se cerraba de pronto,y sintió que su mujer lo observaba como él observaba la noche.

(clic en Bradbury para continuar el cuento)

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